EL PARADIGMA DEL SISTEMA EDUCATIVO

Realmente interesante es la exposición que hace Ken Robinson en el vídeo "El paradigma del sistema educativo" sobre eso, precisamente: el sistema educativo. Un sistema extrapolable a lo que se imparte hoy en día en muchos lugares del mundo. Ken Robinson hace un análisis que nos deja ver el esqueleto, lo que hay detrás de los sistemas que se utilizan hoy en día para la educación de los niños, es la parte sumergida del iceberg. La punta de éste podría ser el estudio sistemático, premiado con evaluaciones, el aprendizaje de conocimientos de usar y tirar, poner de relieve la brillantez de unos y el fracaso de otros, conseguir títulos, crecer insatisfecho, correr en pos de algo que nunca llega... Bueno, realmente negativo, ¿no? Para Ken Robinson la razón de esto está en en una educación que ha diferenciado el alumno inteligente del alumno no inteligente. Para él las escuelas son como industrias, no sólo estéticamente, sino en su modo de producir alumnos en serie que, siendo diferentes, se miden con el mismo rasero.
No cabe duda que nuestro sistema educativo hace aguas por muchos sitios, que es injusto para unos mientras que para otros no. Pero creo que el problema está en la mentalidad de la sociedad y en cómo se ha perpetuado ésta a lo largo del tiempo. La sociedad también está dividida en bloques, a un lado los que sirven para un trabajo y a otro los que sirven para otros, a un lado los útiles, y a otros los que (la sociedad considera) inútiles, a un lado los que se ganan la vida como debe ser y a otro los que se ganan la vida de cualquier modo, a un lado los que han conseguido crear una familia (niños: 2 (niño y niña), casa (hipoteca), coche (pagado), vacaciones (10-15 días en la playa)) a los 40 años como máximo y al otro los raros, los extraños, los que no han alcanzado todo eso y van por la vida sin "echar raíces", es decir que, lo que denuncia Ken Robinson está en el mismo origen de nuestra sociedad. De modo que si no sacas buenas notas, no tienes un trabajo fijo, no has creado una familia, no tienes casa propia, y te dedicas a lo que te gusta, eres un outsider (utilizo este término que se usa en arte pero con otro sentido no exactamente igual). Habría que cambiar la mentalidad de la sociedad, y que ello se extrapolara a todos los ámbitos, incluido el educativo, y dentro del sistema educativo ayudar a otros a crecer felices, valorándose a sí mismos como personas y no como el resutlado de una nota, aprendiendo cosas útiles pero también incentivando sus destrezas e inquietudes, y ya que estamos en una Facultad de Bellas Artes, ¿por qué no? dándole más valor al área artística, creativa, por todo lo que puede potenciar en el ser humano. No quiero ser pesimista pero ante un panorama así habría que mudarse de planeta para conseguirlo. Sin embargo, no dejemos de intentarlo, en nuestro día a día: valoremos a quien tenemos al lado, aceptémoslo, potenciemos sus conocimientos, no hundamos sus sueños, compartamos sus ilusiones, no lo excluyamos por no ser como los demás. En definitiva, seamos felices con él. Sé que suena demasiado poco real, palabras bonitas y nada más, pero podemos hacerlas reales, aunque sea sólo un poquito.

PENSANDO EN LOS DEMÁS

¡Qué alegría para un educador saber que todos los alumnos quieren estar en su clase!. El profesor Toshiro Kanamori que podéis encontrar en el documental "Pensando en los demás" sabe lo que eso significa. ¿Y cuál es el secreto? Algo tan sencillo pero difícil a la vez como proponer como objetivos educativos los siguientes: SER FELIZ, VIVIR EL DÍA A DÍA Y APRENDER PENSANDO EN LOS DEMÁS. Lógicamente son objetivos con mayúsculas (por eso los escribo así) y no descarto que estos objetivos están en la mente de muchos educadores pero no saben cómo llevarlos a cabo, cómo conseguirlos. El profesor Kanamori no los busca de un modo ideal. Sino que se arriesga y los pone en práctica, DE UN MODO REAL. También creo que no sólo influye su manera de hacer las cosas, también son niños muy receptivos, expresivos pero, eso sí, en un clima de confianza que les da el propio profesor. Es decir que no sólo es importante QUÉ HACE el profesor sino CÓMO LO HACE, e irremediablemente, CÓMO ES ÉL y esto último es inherente a su persona.
La pregunta es ¿Cuál es su metodología? ¿Cómo lo consigue?
Pues como acabo de señalar, su forma de ser tiene mucho que ver. Además hace mucho hincapié en el respeto a los compañeros, en fomentar la empatía como un instrumento fundamental en el aula, en conseguir algo tan complicado como una base emocional sólida que se traduzca en unas relaciones sanas entre niños tan pequeños.
Ante un tema dificil como el fallecimiento de un ser querido de uno de los niños, lejos de obviarlo lo expone en clase como un medio para ayudar a que los niños se expresen y a fomentar la relación emocional entre ellos. No sé a cuánto educadores en la actualidad no les importa hacer un alto en la clase y dejar a un lado el programa de la asignatura para que los niños se expresen a riesgo de que tal práctica no salga bien. Pero estos niños están acostumbrados a expresarse en clase, se les nota relajados, se les nota seguros y eso lo consigue el clima de entendimiento que el profesor ya se ha ganado.
Realmente esta metodología podría aplicarse a cualquier materia porque si es importante aprender temas más importante es aprender a formarse como personas. En este caso, el arte aparece como una vía para reforzar esta metodología basada en la empatía y en la educación emocional. Ejemplos como que una niña expresa lo orgullosa que se siente de su padre al mostrar en clase un dibujo de él, o una actividad artística que supuso también otro refuerzo para la actividad en grupo y para relacionarse entre ellos, la responsabilidad y el compromiso, como la construcción de un barco desde su planificación hasta el final sin ayuda del profesor. Otras actividades artísticas que sirven como vía de entendimiento es la composición de una canción para una compañera que se va del colegio o dibujar su propia silueta. Creo que el profesor aprovecha los hechos cotidianos, cercanos a los niños para sus clases y la tendencia hacia lo artístico le sirve para ello además de para fomentar otras cualidades de los niños que tienen que ver más con su lado derecho del cerebro.
Con estas actividades artísticas es más fácil que los niños den rienda suelta a sus emociones, desarrollen su actividad, se sientan relajados y el profesor pueda encauzar su educación para ser felices. Me hubiera gustado ver cómo se desarrollan las clases con materias más duras y racionales. Es mucho más complicado. Una manera de llegar a lo que ha conseguido este profesor podría ser alternar las clases más duras con otras donde se pueda desarrollar una metodología como la que aquí se explica y en definitiva, introducir más el arte, la creatividad y la gestión inteligente de las emociones en los programas educativos.

REFLEXIONES SOBRE VÍDEOS DE POSMODERNIDAD

Estas reflexiones son sobre los trabajos de Elísabet Benitez, Mercedes Pimiento y Fátima Navarro. Creo que las visiones de estas tres compañeras conectan con la idea que también he querido reflejar sobre la Posmodernidad en mi vídeo.
El trabajo de Elísabet Benítez me parece muy destacado por su originalidad y porque es el que más trata la Posmodernidad desde el arte haciendo arte. Realizan una obra absolutamente conceptual, diferente, imprevisible, de contacto directo con la obra, muy plástica y con un resultado que, aunque no considero posmoderno si implica cambios, diferencias, globalidad, universalidad, movimiento, vida, color, futuro, libertad, creatividad.
La visión de Mercedes es diferente a la mía pero creo que entronca con la idea de que, a pesar de la fragmentación que supone la Posmodernidad también implica otras cuestiones positivas como la libertad y la importancia del hombre como individuo. Me encanta la música que acompaña al vídeo y las pausas que marca, el contraste que se produce entre las imágenes. La música dinámica pero esperanzadora.
El caso de Fátima Navarro me ha encantado. Estéticamente es muy atractivo. La música es casi terapética (así lo considero en los tres casos). El enfoque extraído del programa de Punset apunta a lo bueno que se desprende de un momento tan abierto. global y empático en las relaciones sociales. Imágenes amables de altruismo, empatía, cambio, evolución. Cambian los conceptos.
En todos considero que se ve la Posmodernidad como una vía esperanzadora, una vía que se abre como consecuencia de los cambios y la evolución, un paso más hacia la libertad.

COMPLEJIDAD SIN COMPLEJOS (POSMODERNIDAD)

Este vídeo es una mezcla de imágenes que se suceden durante 4 minutos. La forma en que están editadas responde a las características de la Posmodernidad como fenómeno que abarca distintos ámbitos, no sólo artísticos sino también históricos, sociales, políticos e incluso religiosos de la segunda mitad del siglo XX, donde todo está permitido, donde reina la incertidumbre, la ambigüedad y la confusión. Pero donde también cabe la esperanza y un paso más hacia la libertad.

La complejidad de la cultura posmoderna viene dada por su carácter atemporal: ninguna manifestación está por encima de otra, no hay vanguardias. Sí podemos decir que la Posmodernidad manifiesta la oposición a la Modernidad a través de la multiculturalidad y globalidad eliminando así la primacía de lo occidental, de lo europeo (cultura de la diferencia).

La caída del Muro de Berlín (1989) supone el fin de una era y el comienzo de la globalización política, social y económica. Se produce un cambio pasando de una economía de producción a una economía de consumo: la publicidad (marcas) es centro de poder.

Desaparecen las grandes figuras carismáticas, y surgen infinidad de pequeños ídolos (Princesas del pueblo: Lady Di, Belén Esteban, Letizia Ortiz). Se desmitifican líderes (Barack Obama canta en un mitin), se cuestionan las religiones (en La Pasión de Cristo, de Mel Gibson, Cristo aparece como un hombre que sufre y no como líder espiritual).

Hay una excesiva emisión de información a través de todos los medios de comunicación (podemos asistir a un tiroteo real de militares americanos, como si de un videojuego se tratase -culto a la tecnología-).

Se pierde la intimidad y la vida de los demás se convierte en un espectáculo: redes sociales (Facebook, Twitter). Películas como Matrix o American Beauty son consideradas postmodernas donde se evidencian un futuro y una realidad inciertos.

En el arte, podemos decir que el propio Warhol inicia esta era. Por ejemplo, ver cómo se come una hamburguesa es su obra de arte. Ya no se busca el objeto artístico como tradicionalmente se entendía. Aparecen las instalaciones, la performance (Bill Viola). Son artistas posmodernos: Jeff Koons, que nos muestra un arte personal usando imágenes de otros para adaptarlas a lo que quiere; Anselm Kiefer, presenta un concepto de cuadro desbordado por el uso de materiales de otros medios; David Salle, también muestra un espacio ambiguo con imágenes separadas o superpuestas, imágenes molestas. Cobra importancia lo popular. Vemos el arte urbano en la figura de Banksy, que a través del grafiti denuncia fragmentos de la realidad. Basquiat también utiliza el grafiti y es amigo de Warhol. Y va más allá, su vida fue objeto de revistas.

El atentado del 11-S supuso un punto de inflexión de mirada hacia otra parte, dentro de la Posmodernidad: ya no se tiene tanta fe en los derechos humanos. La artista Elena del Rivero rescata este atentado con una instalación formada por una gran cantidad de documentos que entraron en su estudio de Nueva York procedentes de las Torres Gemelas.

Sin embargo, todos estos elementos que parecen tan negativos como la globalidad, la empatía, las nuevas relaciones sociales, los veo como algo positivo, esperanzador, de camino hacia la libertad. Es lo que he intentado trasmitir con la música de los Manic Street Preachers.

EL DESCUBRIMIENTO DEL ARTE INFANTIL: 1ª MITAD DEL SIGLO XX

HITOS DE LA DIDÁCTICA DE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA

Basado en el texto de Ricardo Marín "Historia de la Educación Artística" (ver entrada anterior).

LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA A TRAVÉS DE LA HISTORIA

Tras leer el texto de Ricardo Marín "Historia de la Educación Artística" extraído del libro Didáctica de la Educación Artística (2003, Madrid, Pearson/Prentice Hall) no puedo detenerme en un sólo enfoque de la educación artística a lo largo de la Historia. Más bien aunaría los tres que me parecen más destacables y que pertenecen al siglo XX. El paso del tiempo influye, lógicamente, y eso se ve en el desarrollo del pensamiento en este área y en la evolución que experimenta frente a otros siglos atrás. El enfoque que nos ofrece el descubrimiento del arte infantil en la primera mitad del siglo XX supuso una ruptura de la manera de ver la educación muy en sintonía con lo que estaba ocurriendo a principios de siglo con la irrupción de las vanguardias. En este blog he estado apoyando la idea de que todos podemos ser artistas. Precisamente porque creo que desde la infancia todos tenemos la capacidad de crear, de expresarnos sin censuras, sin prejuicios, dejando que la mano se mueva con libertad. Es el punto de partida para continuar con nuestra faceta artística. El hecho de que se fijaran en cómo los niños desarrollaban su propio arte fue el detonante para que se realizaran estudios psicológicos y pedagógicos en ese sentido y para que se pusiera el punto de atención sobre cómo estimular y fomentar la actividad escolar a través del dibujo y la pintura libre. Más avanzada es la visión de Herbert Read y Víktor Lowenfeld que se centró más en la persona que en los contenidos. Un enfoque más humano que concibe a la persona como alguien en quien potenciar su sensibilidad, su capacidad creativa, sus posibilidades expresivas y comunicativas, la seguridad en sí mismo y en su forma personal y única de comprender el mundo. Esta es una idea muy actual que surge entre los alumnos de la Facultad cuando están haciendo cualquier ejercicio. El resultado es muy importante pero se suele dar también protagonismo a la vertiente psicológica y mental del acto de crear y hacer arte: cuestión de autoestima, de crecimiento personal, de creencia en uno mismo, expresión de emociones ocultas y descubrimiento del mundo creativo. La educación artística que plantean Read y Lowenfeld está muy relacionada con la Facultad de Bellas Artes que propongo en el ejercicio 9: crear según la personalidad de cada uno, con respeto hacia el desarrollo creativo de cada uno. Sí difiero del hecho de que no quisieran que se siguiera ningún modelo o no se tuviera cómo referencia la obra de otros autores porque creo que no "amordaza" sino que en todo caso enriquece. Todo lo que hagamos siempre va a tener una referencia anterior que nos ayuda a abrir nuevas vías de creación. Especial referencia tiene la visión de Rudolf Arnheim que potencia el mundo de la imagen y desarrolla su propio lenguaje. Pintar, dibujar, etc, son formas de pensamiento, actividades mentales. El poder de la imagen en nuestro tiempo no puede pasar desapercbibido para la educación artística.

NUEVO JUEGO DE ORDENADOR ANTICONSUMO

UN DÍA SIN COMPRAR EN EL CENTRO COMERCIAL es un novedoso juego que se desarrolla en un maravilloso centro comercial lleno de todo tipo de tiendas de grandes marcas y también de marcas pirata de ropa, zapatos, cosméticos, electrónica, decoración. Todo un paraíso para gastar y gastar aunque en el fondo no les haga falta a los potenciales compradores. El juego consiste en disuadir a estos compradores de realizar las compras. No será fácil porque los compradores tienen muchas ganas de consumir y además las tiendas tienen atractivos escaparates para conquistarles. Tendrás que ir utilizando argumentos de disuasión que consistirán en dar alternativas para pasar ese día sin tener que consumir o hacerles ver que lo que compran realmente no lo necesitan. A medida que consigas disuadir a más consumidores conseguirás más herramientas para seguir disuadiendo y serás más convincente. Cuidado que los más difíciles de disuadir serán los jóvenes que querrán seguir la moda y los niños, que querrán tener cada vez más juguetes. Suerte y a jugar.

UNA FACULTAD DE BELLAS ARTES DIFERENTE

¿PÚBLICO O PRIVADO?

¿Qué es mejor? ¿La escuela pública o privada? Si preguntamos a los padres que tienen a sus hijos en la escuela pública dirán que la pública y si preguntamos a padres que eligieron la escuela privada pues dirán que la privada. Claro que aquí ya se produce la primera diferencia. La escuela pública se puede elegir pero la privada sólo pueden elegirla quiénes puedan pagarla. Efectivamente, he ahí la gran diferencia. Y a partir de ahí tenemos los típicos comentarios: "...en la escuela privada hay más disciplina que para eso pagan los padres..., ...los padres están más interesados en la educación de sus hijos, que por algo les cuesta una pasta..., ...los profesores se tienen que esforzar más, pues se juegan el puesto..., los materiales son más nuevos y se cuidan más porque hay más dinero y cuestan mucho..., ...hay más posibilidades de futuro pues los niños salen más educados y con más contactos...". ¿Esto significa que en la pública ocurre todo lo contrario? ¿Por qué siempre se denosta lo que es de todos y aquello por lo que luchan tantos docentes en España?
Está claro que es una cuestión de educación pero no de los niños sino de los adultos. Con esto tampoco quiero hacer demagogia y decir que la escuela pública es mejor porque la privada tiene muchos aspectos negativos y de control sobre la educación del niño. Supongo que pueden ser válidas tanto una como otra, al igual que pueden presentar problemas las dos. Quizás una peca por exceso y otra por defecto, pues se intenta impartir una educación muy disciplinada frente a otra más relajada. Pero como no me gusta generalizar pues no conozco todos los casos ni mucho menos, supongo que como en todo la virtud estaría en el término medio. Pero no. La cosa va más allá. Últimamente en clase hemos estado discutiendo la propia raíz de la educación en sí, tenga después un tratamiento público o privado. Lo importante sería buscar un sistema que, por supuesto, eduque al niño y lo haga crecer feliz y con libertad, y eso no creo que lo consigan ni todas las escuelas públicas ni todas las escuelas privadas. Habría que desterrar tantos clichés que después no son del todo reales, pues ni todos los niños de escuelas privadas sacan notas excelentes ni los de la pública sacan malas notas. Plantaeado así. La dualidad escuela pública y privada enfrenta unas relaciones de mercado e intereses y como tal mercado llevas a tu hijo donde tú quieres.
¿Debería ser la educación un mercado? Personalmente creo que no. Debería invertirse lo mismo para unos que para otros, pero no sólo en dinero sino en esfuerzo y ganas. Sé que volveré a caer en la demagogia, pero es lo más real y cercano que conozco. Mis sobrinos comenzaron en un colegio privado y después han terminado en un colegio público. Os puedo asegurar que no son peores que antes, son cada vez mejores, independientemente de si a sus padres les cuesta más o menos el colegio. Antes y ahora sus profesores y sus padres se interesaban por ellos y ellos siguen respondiendo. Pero aquí debo matizar algo: es importante es la labor de los profesores pero más aún lo está siendo la de sus padres, que no son públicos ni privados, son sus padres y les educan con amor, con libertad y abriéndole las puertas al mundo cada día. Por ello, creo que antes de decidir si elegir un centro privado o público habría que decidir uno mismo cómo va a educar a su hijo como padre/madre y los que no somos padres de esos niños (familia, docentes, entidades privadas y públicas) deberíamos ser conscientes de lo valioso que es todo lo que les transmitamos.

FRATO

Siguiendo el consejo de Benjamín, nuestro visitante de la entrada anterior, voy a dedicar una entrada a Francesco Tonucci, pues me parece bastante interesante su trayectoria como para darla a conocer en este blog.

Francesco Tonucci (1941) es un pensador, psicopedagogo y dibujante italiano que se dedica al estudio del pensamiento y el comportamiento infantil. Ha creado y dirige desde 1991 el proyecto La ciudad de los Niños, que propone a los alcaldes de 100 ciudades una nueva filosofía de gobierno, adoptando a los niños como parámetro de valoración, de proyección y de cambio de la ciudad.

Critica la forma en que las ciudades están estructuradas y aconseja que estén planificadas pensando en los niños. Pero no para convertirlas en Disneylands locales sino porque él afirma que un adulto sano es el resultado de un niño que ha jugado mucho y ha tenido autonomía.

Expresa sus ideas en viñetas que firma con el seudónimo “Frato” y que se recogen en el libro "40 años con ojos de niño".

En contra de una sociedad que últimamente asocia constantemente la palabra “límites” a niños e incluso a bebés, este pedagogo reivindica la libertad, el poder personal, menos deberes, más tiempo libre por las tardes para descubrir el mundo y, sobre todo, sostiene que “los niños no son recipientes vacíos que hay que llenar de conocimientos” sino que tienen sus propias vivencias y formas de pensar.

Éstas son algunas de sus ideas:

“Los niños aprenden mucho más jugando que estudiando, haciendo que
mirando. El juego que hacen solos sin el control de los adultos es
la forma cultural más alta que toca un niño. Los niños que han podido
jugar bien y durante mucho tiempo serán adultos mejores”

“El juego da recursos para la vida. Todas las crisis de la juventud
se gestan en la primera infancia”

“Hoy educar significa pedir a los niños que dejen de

comportarse como niños y lo hagan como adultos”

“Los pequeños pasan sus días frente a adultos instructores, les es difícil
hacer cosas raras. Así se va alimentado una necesidad de riesgo
acumulada que expresará con su primera moto y en las salidas nocturnas”

“Los pequeños no quieren estar recluidos en su habitación para jugar, ni
en ludotecas, ni en todos esos espacios que construimos para que estén
controlados. Lo que hace un niño controlado por un adulto es distinto
de lo que hace solo. Los niños necesitan espacios donde, dentro de
un clima de control social, ellos puedan hacen lo que quieran:
pisar el césped, subirse a los árboles y jugar con las lagartijas”.

Creo que estas ideas tan relacionadas con la libertad, la creatividad y el arte con respecto a la educación de los niños entronca con los debates que hemos desarrollado en clase en las últimas semanas sobre la escuela que tenemos hoy día.

MÁS IMÁGENES PARA LA EDUCACIÓN

Simplemente genial.

LA CLASE. Imágenes para la educación

Título: La clase Título original: Entre les murs Año: 2008 Duración: 128 minutos País: Francia Género: Drama Estudio: Golem Distribution

"La clase" es la película que nos ha servido para ilustrar la definición de educación en nuestra clase de Pedagogía. Educación desde un punto de vista práctico en un aula de secundaria de una escuela pública francesa del siglo XXI. Podría coìar y pegar la sinopsis de la película que podéis encontraros en internet, pero prefiero comentar mi propia versión: recrea, en un genéro a caballlo entre película y documental, las viviencias de un profesor y sus alumnos de un instituto de la periferia, marcadas por la falta de comunicación, entendimiento, empatía... Subrayado todo esto por diferencias sociales, étnicas y económicas.
Como he dicho anteriormente, tiene un formato de documental o de "docu-reality", pues conocemos de primera mano los gestos, expresiones y sentimientos de los protagonistas sin, en principio, cortes en las escenas; sino mostrando todo espontáneamente. Con esto se pretende acercar la historia más a la realidad, si cabe, teniendo en cuenta que los actores están haciendo el papel de su propia vida. El espectador, detrás de la cámara, es un observador callado, curioso y que a veces se incomoda, lo que se ve reflajado en gran cantidad de primeros planos, de cámaras fijas que siguen las conversaciones y en planos vacilantes que adquieren más dramatismo en escenas duras. No hay música ni nada que empañe la visión real que se pretende dar de esta película, tal y como cualquiera de nosotros podríamos observar este aula en la realidad. Nos convertimos en uno más de la clase que asume lo que pasa pero que prefiere callar a intervenir. De todos modos, para alcanzar el formato de película sí apreciamos que hay un guión subyacente que hace que todo esté muy bien armado. Aunque se pone de manifiesto que lo que más importa son las situaciones que se generan a raiz de la historia que se cuenta ya que nos dicen mucho más de la realidad que se plantea.
Javier Baena, nuestro particular profesor Francoise, nos ilustra también con sus vivencias como docente en varios institutos de Andalucía. Encuentra un paralelismo donde a veces la realidad supera a la ficción y confirma que lo que aparece en esta película es el día a día de cualquier instituto de nuestro entorno. ¿Cómo hemos llegado a tal incomunicación y falta de empatía por parte de profesores y alumnos? No lo sé, el problema es que hemos llegado a ello y que la clase, más que un lugar para educar, se convierte en un recinto donde pasar las horas para hacer una guerra que nadie gana. Un recinto que, yo paticularmente, siempre he odiado estéticamente. Supero los treinta años y en mi época el instituto era igual: un lugar frío, poco atractivo, sin decoración ni colores, una cárcel con la puerta abierta. Me recordaba a un hospital, lugar que he tenido que visitar más de una vez y en el que se está porque no hay más remedio (la salud así lo exige). ¿Quiere decir esto que el instituto es un lugar donde se tiene que estar sin remedio? Tras ver la película, se observa que tanto profesores como alumnos está allí "obligados". Entonces, ¿cómo es posible educar con afecto y amor haciendo que otros se apasionen por saber? La escuela se convierte en un compartimento estanco más de la sociedad donde hay pasar el tiempo que tiene poca relación con el mundo particular de cada uno de los que allí están.
Hemos hablado en clase de muchas más cuestiones que trascienden en la película y que ponen de manifiesto el problema de la educación hoy día:
DIFERENCIAS ENTRE ESCUELA PÚBLICA Y PRIVADA-FALTA DE COMUNICACIÓN ENTRE PROFESORES Y PADRES-FALTA DE RECURSOS DEL PROFESOR PARA LLEGAR AL ALUMNO-PROFESOR AGRESIVO/ALUMNO DESAFIANTE-PROFESORES SE PONEN DE ACUERDO PARA IMPONER CASTIGOS O PARA ETIQUETAR A LOS ALUMNOS-FALTA DE RESPETO-GRANDES DIFERENCIAS SOCIALES Y ECONÓMICAS (INMIGRACIÓN)-MUNDO PEQUEÑO DEL AlUMNO REDUCIDO AL MÓVIL, LA MÚSICA, EL FÚTBOL Y LAS MODAS.
Aparte, me gustaría señalar otras cuestiones que personalmente he observado en la película:
-Los profesores condicionan a otros profesores catalogando a los alumnos como "buenos" o "malos".
-Los alumnos cuestionan la aplicación práctica de lo que se aprende en clase en la vida real.
-Los alumnos no entienden un vocabulario rico.
-El profesor dice: "Piensa por ti mismo".
-El alumno dice: "La tiene tomada conmigo".
-El alumno piensa que su vida no es interesante.
-El alumno piensa que al profesor no le interesa el alumno sino que es un elemento más de su trabajo.
-El profesor se interesa por las inquietudes de los alumnos.
-Si un porfesor comete un error los alumnos quieren que se les sancione igual que a ellos.
-Dice un profesor: "No podemos sustituir a los padres".
-¿Cómo se siente un profesor cuando expulsan a un alumno? ¿Dónde está el fracaso?
-Una alumna dice al final del curso: "NO he aprendido nada".
Creo que la película muestra el estado de la cuestión y que no pretende nada más. Pone sobre la mesa el caldo de cultivo en el que se gesta la educación hoy día y muestra, a su vez, las consecuencias, pero no propone ninguna salida. Son muchas las variables que rebosan el vaso y, aunque hay intentos por reconducir la situación, no todos van en la misma dirección. Creo que la solución está en el día a día y en el empeño de profesores y alumnos por que salga esto adelante. Quizás el problema sea el marco en que la educación tiene lugar: el propio sistema educativo, y cómo se instrumentaliza algo que requiere, aunque suene cursi, más poética, más idealizaciones, más sueños, más piel con piel y más escuchar al otro.
No quiero terminar esta entrada con la imagen final de la película, muy buena por cierto, de la clase vacía con las sillas y mesas un tanto desordenadas que parece una celda deshumanizada donde es imposible que se genere amor o comprensión. Prefiero terminar con la frase dicha en nuestra clase por el profesor que, aunque no es mía, da igual, lo importante es lo que dice:
EDUCAR ES ACERCAR A LA FELICIDAD, y yo añadiría, TANTO AL QUE EDUCA COMO AL QUE ES EDUCADO.

¿QUÉ ES EDUCACIÓN?

Hemos hecho en clase una tormenta de ideas para definir con una palabra qué es educación. ¡Vaya pregunta! Igual de difícil que definir qué es arte. Para responder de un modo práctico podría poner de ejemplo mi propia vida. Y no es porque haya sido mejor o peor que la de otro sino porque creo que la educación me ha llevado a poder estar haciendo este blog, por ejemplo. En el camino de mi aprendizaje se han quedado cosas que apenas he utilizado pero he interiorizado otras que ya forman parte de mí y que he instrumentalizado y no sólo me refiero a áreas de conocimiento tal y como las conocemos sino también a valores, sensaciones, afectos, etc. Así que con esta pequeña auto-revisión os enuncio las palabras que salieron en clase:
APRENDER-CONOCER-REFLEXIONAR-ADIESTRAR-AUTOCOMPLETAR-COMUNICAR-CAMINO-FORMACIÓN-EVOLUCIÓN-ESITMULACION-CRECIMIENTO-SUPERACIÓN-DISCIPLINA-CULTURA-REALIZACIÓN-TRANSMITIR-INSTRUCCIÓN-POTENCIAR-GUIAR-INFORMACIÓN.
Muchas de estas palabras nos suenan de forma positiva y otras nos hacen reflexionar pues tienen un componente negativo que también aparece en la educación a lo largo del tiempo. En cuanto a la educación artística, en clase hemos decidido añadir un "plus" que la conforma y que creo que también debe aparecer en la educación de cualquier otra disciplina:
AFECTO-VALORES-HUMANIZAR-LIBERTAD-AUTONOMÍA
Mucha información, quizás para definir algo tan grande y a la vez tan sencillo como enseñar con intención y amor para enriquecer y hacer feliz a otras personas.

EL SECRETO MUNDO DE JUDY SCOTT

¿Qué tienes debajo del sombrero? es el título de la película filmada por Iñaki Peñafiel y Lola Barrera que recoge la vida de la artista outsider Juddy Scott que nació sorda con Síndrome de Down. Yo ya había visto este documental hacía un tiempo antes de que lo viésemos en la clase de Pedagogía y ya por entonces me impactó. No sólo se cuentan las circunstancias de Juddy sino tambien las de otros artistas así denominados que forman parte del Centro de Arte de Oakland. Las vidas y las manifestaciones artísticas de estas personas son realmente meritorias. No se trata ahora de hablar aquí de cada una de ellas para ello os remito a que veáis la película. Merece realmente la pena.
Había oído hablar antes del arte outsider pero no lo conocía, así que me he informado. El término lo acuñó el artista Jean Dubuffet y lo denominó como Art Brut. Se define como el arte producido en respuesta a una necesidad creativa de personas que viven al margen de la sociedad, que no siguen modas, ni conocen técnicas convencionales y no les preocupa qué reacción producen sus obras y, quizás el dato más importante, no les interesa la cuestión económica. En este caso, Juddy Scott, como artista outsider, da salida a la creatividad que alberga en su interior independientemente de su discapacidad. Los que han denominado a estas manifestaciones como arte destacan la pureza, lo innato de estas creaciones. Para mí ésta es una expresión de la potencialidad que tiene el ser humano en cuanto al arte. Creo que la capacidad para expresarse cada uno más allá de los canales convencionales es algo inherente al ser humano que en estas personas que están más impermeables a los influjos externos sale con más espontaneidad y de una manera más sincera. ¿Saben ellos que es arte lo que hacen? Imagino que les da igual, supongo que lo que saben es que es algo que les gusta, que les llena y que es su manera de asomarse al mundo. ¿Era consciente Juddy Scott de que cada vez que envolvía una madeja alrededor de una estructura estaba haciendo una obra de arte? Evidentemente si es arte o no depende de los demás que le ponen esa etiqueta y prefieren verlo así, pero sólo ella sabría qué significaba y todo lo demás son especulaciones. Esa parte de Juddy no se supo jamás pero aún así interesan los productos de sus acciones.
El documental trata con gran sensibilidad las vidas de estas personas pero también nos enseña cómo aquellos que les rodean no pueden evitar caer en el materialismo y piensan en el gran atractivo que pueden tener estas obras dentro de un mercado. Realmente es triste (no con respecto a Juddy) ver cómo los marchantes de las galerías hablan de sus obras mientras ella sigue sonriendo ajena a ello y absolutamente feliz en su mundo particular. En el fondo no creo que sea en sí una intromisión porque ellos se mantienen al margen de estos procuradores y una vez que hacen sus obras parece que no les importa lo que ocurra con ellas, o al menos eso se veía en el documental. ¿Es arte o no lo que hace Juddy Scott? Como ya he dicho, particularmente me parece la confirmación de ese lado rebelde del cerebro que todos podemos potenciar y para mí muchas de sus obras son arte, pues al verlas me han transmitido y me han producido una emoción, aún más teniendo en cuenta que utiliza unos materiales que yo también suelo utilizar.
Sinceramente creo que a nosotros nos preocupa demasiado si es arte o no mientras que a ella creo que sólo le preocupaba vivir y ser feliz a su manera.

DEFINICIÓN PLÁSTICA DE ARTE

Título: Arroz salteado con pasas, piñones y especias.
Autora: Antonia Suárez Aguilar.
Técnica mixta. 2011.

Pues sí, yo soy de los que estaban a favor de la tortilla de la madre del compañero (los que estuvieron en clase de Pedagogía del Dibujo la semana pasada me entenderán). En la entrada anterior he estado ofreciendo mis impresiones sobre lo que sería la definición de arte para mí, apoyándome en los textos de Tatarkiewicz y de María Corral. ¿Quiero decir entonces que arte para mí sería el plato que ha cocinado hoy mi madre? Dicho así parece muy simplista. Como he dicho en este blog desde el principio, pienso que todos podemos ser artistas. Otra cosa es que nos lo propongamos o tengamos interés en ello o nos den la oportunidad para fomentarlo. Pienso que en el ser humano se dan las condiciones para que desarrolle una actividad artística en algún momento de su vida. Partiendo del hecho que nos diferencia de otros seres vivos: la capacidad de pensar y de hacer y a partir de ahí, otras condiciones que recojo en la entrada anterior: habilidad, disposición, actividad humana, visión personal, interpretación, crear, comunicar, expresarse, técnica, interés, inteligencia; sinceramente las reconozco en mi madre en mayor o menor grado al realizar algo que le encanta, como es cocinar. Claro que habría que conocer todas las circunstancias que le rodean para entender la importancia de lo que ella hace igual que se supone debemos hacer con artistas contemporáneos para entender qué sentido tienen algunas obras a priori sin significado aparente. Cuando ella lo hace, no tiene la intención de que sea nada artístico pero creo que en el fondo sí la tiene, pues ella pretende expresarse, comunicar algo, espera que se disfrute y de algún modo también espera el reconocimiento. Sé que este planteamiento no se ceñiría al arte tal y como se entiende aplicado a unas técnicas, una estética, una ideología, unos movimientos, pero dentro del mundo de mi madre y de los que le rodeamos yo diría que es arte. O al menos sería un primer paso para definir arte. Me pregunto qué hubiera pasado si Marcel Duchamp en vez de poner el urinario en la famosa exposición hubiera puesto un plato que hubiese cocinado su madre. Claro, en su caso podría dar igual, pues el hecho era que decide darle el valor de algo artístico a un objeto por exponerlo en una galería, pero a ese objeto se le da un valor también en sí mismo. Yo también pondría el plato de mi madre en una exposición. Sólo faltaría el reconocimiento de otros.
En definitiva, quizás no sea ese arte con mayúsculas tal y como se entendería pero es lo que una persona puede ofrecer en el terreno creativo, que seguramente si se hubiera fomentado hubiera llegado a más. Aunque su obra no esté reconocida por otros, yo sí la reconozco.

BASADO EN LA OBRA DE BÁRBARA KRUGER

MI DEFINICIÓN DE ARTE O CÓMO PONERLE PUERTAS AL CAMPO

Parece imposible definir el concepto de arte. ¿Cómo acotar un término tan universal y que encierra tantas definiciones a lo largo de la Historia? Lo más fácil sería acudir a lo que ya han apuntado otros, como el Diccionario de la RAE. Recojo las dos primeras acepciones:
1. Virtud, disposición y habilidad para hacer algo.
2. Manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real e imaginado con recursos plásticos, lingüísticos y sonoros.
Sin embargo, no me queda nada claro. Entender que el arte es una virtud me parece demasiado restrictivo. En este blog abogo por el hecho de que todos tenemos la potencialidad para hacer arte, por tanto, no lo circunscribo a una virtud que poseen unos pocos. Sí me quedo con palabras como habilidad, disposición, actividad humana, visión personal... ¿desinteresada? Esto es bastante discutible. ¿Realmente no hay interés en la realización de una actividad artística? Empezando por el propio interés personal que empuja al artista a hacerlo y terminando por el interés económico. Que se lo digan a los que tienen la motivación de exponer en una importante galería (tema que ya hemos discutido en clase). ¿Interpretar lo real e imaginado? Es una interpretación puesto que es la visión de una persona pero poner límites a lo que es real o imaginado es más complejo. En cuanto a recursos, hoy día los artistas disponen de cualquier tipo de soporte que no son sólo plásticos, lingüísticos o sonoros.
A las palabras reseñadas anteriormente añadiría otras que se han comentado en clase y que tienen que ver con acciones humanas básicas como crear, comunicar, jugar, pensar, expresarse. Todas las palabras indicadas me dan pie para enunciar, si no una definición, al menos cómo entiendo yo el arte. Siempre lo he relacionado con el ser humano y su capacidad de pensar y de hacer. A lo que habría que añadir otros elementos como la habilidad, la técnica, el interés y, por supuesto, la inteligencia. Este sería mi planteamiento.
Tras leer el texto de Tatarkiewicz, confirmo que realmente no hay una definición concreta para arte, por ello mi propuesta es tan amplia. Existen muchas definiciones condicionadas por los estudiosos o artistas, críticos o personas, que las han enunciado, así como por el momento histórico, la cultura o el país en que se inscriben. En definitiva, podrían ser muchas definiciones que confluyesen en una sola donde aparezcan los puntos comunes.
La propia dificultad de definir el arte radica en todos los matices que Tatarkiewicz recoge en la pág. 63 de su texto: "El arte tiene, pues, muchas funciones diferentes. Puede representar cosas existentes, pero puede también construir cosas que no existan. Trata de cosas que son externas al hombre, pero expresa también su vida interior. Estimula la vida interior del artista, pero también la del receptor. Al receptor le aporta satisfacción, pero puede también emocionarle, provocarle, impresionarle o producirle un choque. Como todas estas son funciones del arte, no puede ignorarse ninguna". Estoy bastante de acuerdo con las dualidades que aporta este autor y que abarcan funciones del arte que suscribo: construcción de lo que existe y lo que no existe, lo externo y lo interno al hombre, estímulo del artista y el receptor, producción de emociones positivas y negativas.
Por otro lado, hay que trener en cuenta que el arte está en continuo movimiento. A medida que pasa el tiempo nuevas corrientes aparecen, bien negando o superando lo anterior, o simplemente proponiendo nuevas vías. No es lo mismo emitir una definición en los años 80, momento de la posmodernidad, que cien años antes cuando se estaban gestando las vanguardias.
Pero volviendo a Tatarkiewicz, éste define el arte teniendo en cuenta la intención y el efecto. Para ello consigue ampliar el concepto introduciendo disyunciones del tipo o...o dando así alternativas (p. 67): "El arte es una actividad humana consciente capaz de reproducir cosas, construir formas o expresar una experiencia, si el producto de esta reproducción, construcción o expresión puede deleitar, emocionar o producir un choque". Y no afirma que el arte deba cumplir todas estas condiciones sino que se mueve en este terreno lleno de alternativas donde puede adoptar una forma u otra. Es una manera de dejar la definición abierta. Subrayo palabras como consciente, formas, experiencia. deleitar, emocionar, choque.
Siguiendo con esta búsqueda de definición de arte es necesario constatar mi propia condición contemporánea de comienzos del siglo XXI. Por ello me fijo en las propuestas que realiza María Corral en su texto "El arte en este fin de siglo" donde se centra en la situación del arte al final del siglo XX, dentro de la denominada posmodernidad. Señala como claves de este momento histórico la importancia de expresarse a través de las imágenes, las nuevas tecnologías, lo conceptual, la cultura de masas, la importancia de la mujer artista, la nueva cocepción del yo. Indica además que los artistas ponen en duda el propio arte y que se distancian de las instituciones al verlas incapaces de satisfacer las necesidades de los individuos, e intentan construir nuevas identidades.
"Los artistas en todo momento reflejan estas situaciones, estas transformaciones del entorno cultural y social, y nos ayudan a definir los nuevos modelos de personalidad surgidos de la absorción de los nuevos cambios tecnológicos, políticos y sociales" (Pág. 173). María Corral, fruto de su tiempo se fija más en cómo los artistas ponen de manifiesto los cambios sociales y políticos y cómo ponen en tela de juicio al propio arte. Todo esto lo incluiría en la definición de arte: no desligarse del contexto social, cultural, político y económico.
Además, en cuanto al momento que vivo en la actualidad, respecto al arte, nos damos cuenta que no es posible hacer clasificaciones artísticas, sino que tenemos que hacer, en todo caso, el estudio de la producción individual de cada artista. Hay líneas que pueden aplicarse a más de un autor pero podríamos decir que hay tantas manifestaciones artísticas como autores, pues cada una es individual y aporta algo nuevo y diferente. Vivimos un momento de democratización y acceso para todo el mundo a través de los nuevos medios tecnológicos; momento de polularización, enriquecimiento, cambios políticos, democracias. Por todo ello, mi definición de arte engloba las palabras subrayadas en este texto sin perder de vista el momento histórico en que me encuentro donde el arte se mueve en un eclecticismo donde todo es válido, el cuerpo y la mente parecen no tener límites.

VIÑETA DE ENEKO

Según se ha planteado en clase, los barrotes que tan genialmente ha dibujado Eneko pueden establecer el límite de dentro hacia fuera o de fuera hacia dentro. Pero ¿cuál es el interior y cuál el exterior? ¿Es la realidad la que rompe los barrotes del cuadro y entra en el interior de ese espacio bidimensional? ¿O es el producto de la imaginación y la técnica de un artista el que rompe los barrotes del cuadro para adentrarse en la realidad? Mi postura es intermedia. ¿Por qué no pensar que es el propio artista o el propio espectador el que desea romper esos barrotes como consecuencia del momento de principios del siglo XXI que estamos viviendo para dejar que ambas cosas coexistan? Quizás Eneko quiso decir que hoy en día no podemos ponerle límites al arte pues el primero que no tiene límites es el propio artista en cuanto a técnicas, materiales, procesos, conceptos y resultados y el espectador debe entenderlo así, que el arte está vivo y se mueve con los tiempos. Lo que empezó a medidados del siglo pasado con el detergente de Warhol a derivado en todo tipo de propuestas enriquecidas con las nuevas tecnologías.

LADO IZQUIERDO-LADO DERECHO

Como rezaba el título de la primera entrada, para Joseph Beuys, cada hombre es artista y yo pienso lo mismo. Sólo hay que rectivar nuestro lado derecho del cerebro y creer en ello, claro, como para todo. Mi objetivo son las personas que dicen "Yo no sé dibujar, sólo me salen palotes, dibujo como un niño de tres años... ". Pues sí, a lo mejor para dibujar primero hay que ser niño o, mejor aún no dejar de serlo, no dejar que otros no nos permitan serlo. Pero antes, veamos qué implica el lado izquierdo y el lado derecho del cerebro.
El hemisferio izquierdo del cerebro se encarga de procesar la información analítica, lógica, lineal. Analiza, abstrae, cuenta, mide... es el que desarrolla la capacidad para las matemáticas, lectura y escritura. para él no hay medias tintas: o si o no, o uno o dos, o arriba o abajo.
El hemisferio derecho tiene una percepción más global. Con él entendemos metáforas, soñamos, creamos. Piensa en imágenes, símbolos y sentimientos. Se encarga de la capacidad imaginativa, espacial y perceptiva. Imaginemos con él qué podemos dibujar o pintar.